sábado, 16 de junio de 2012

MWM gráficos y ATTIK: Juegos Olímpicos de Londres 2012 Coca Cola la marca

MWM gráficos y ATTIK: Juegos Olímpicos de Londres 2012 Coca Cola la marca


Olimpiadas de Londres 2012 botellas de Coca Cola diseñadas por MWM gráficos y ATTIK


MWM gráficos colaboró ​​con ATTIK en la Coca-Cola la marca para la Juegos Olímpicos de Londres 2012 . gráfico aplicado a las latas --- después de Matt W. Moore (MWM gráficos) mi papel era crear una sólida biblioteca de activos gráfico que la buena gente de ATTIK se refina en un sistema de identidad visual (VIS). el VIS se pasó después a lo largo de las agencias de todo el mundo para trabajar con sus campañas regionales. la primera fase del arte fue la creación de este hiper versión detallada, el resumen de la Coca Cola de Londres 2012. de este archivo maestro se extrajeron decenas de 'momentos' que se convirtieron en la biblioteca de activos gráfico. de aplicación a las botellas de visión general de las VIS diversos cultivos y elementos de la VIS ​​... AEROBIC-DISEÑO - DISEÑO GRÁFICO 2012 CURSO ONLINE DISEÑO GRÁFICO 2012 Duración 17 de mayo - 17 de julio 2012 se seguirá aceptando que llegan tarde para la inscripción hasta el 15 de junio 2012 que el trabajo de diseño gráfico para usted. con este curso podrás mejorar su comprensión de los fundamentos y aprender más acerca de los desarrollos actuales y emergentes en el campo. • repasar los conceptos básicos de diseño gráfico como la composición, el color, la tipografía y la representación • su mayor conocimiento de la versión impresa y en aplicaciones de pantalla • adquirir conocimientos prácticos que se pueden aplicar a los problemas del mundo real • Tener la oportunidad de mejorar su cartera mediante el desarrollo de varios proyectos de diseño relacionados con el tema • nuestros instructores le ayudarán a verificar sus ideas para que puedas optimizar la medida de lo posible durante el curso • También tiene la oportunidad de compartir su trabajo con otros participantes en el cursoINSCRIBIRSE AQUÍ




















Paneles transpirables (arquitectura solar pasiva)


Paneles transpirables (arquitectura solar pasiva)
enviado por Ison21
La arquitectura debe adaptarse a las necesidades humanas y no al revés. Esto es lo piensa Doris Kim Sung, arquitecta y profesora asociada de la Universidad de California del Sur (USC). Sung está trabajando en unprototipo de panel inteligente que podría ser lo último en viviendas de consumo energético casi cero (net-zero energy).
La mayoría de las pieles de los edificios inteligentes que les permiten respirar cumplen su función con la ayuda de una fuerza mecánica, ya sea proveniente de un motor eléctrico o de la intervención humana.
Los paneles de Sung utilizan termo-bimetales (TBM), una laminación de manganeso y nickel usada frecuentemente en los termostatos. Como los dos metales tienen distinto coeficiente de dilatación térmica, los paneles laminados se deforman a medida que cambia la temperatura. Esto significa que los paneles termo-bimetales pueden reaccionar sin necesidad de ninguna energía, salvo sus propiedades y la temperatura ambiental. Los paneles se abren y cierran controlando la luz y el calor por si mismos, sin que nadie se lo tenga que decir.
Por el momento, Sung piensa en los comercios como principal aplicación de sus paneles, aunque no descarta su uso en viviendas bioclimáticas.
Vía :: SmartPlanet

viernes, 15 de junio de 2012

CONCURSO TEATRO DEL BICENTENARIO SAN JUAN, ARGENTINA


CONCURSO TEATRO DEL BICENTENARIO SAN JUAN, ARGENTINA

ESTUDIOAISENSON, JUNIO 14 2012 publicado en ASN/nOISE


En marzo de 2010 presentamos (Estudio Aisenson – ASN/nOISE + Patxi Mangado  - Pamplona + SMF – La Plata) una propuesta para la licitación de proyecto y precio para el Teatro del Bicentenario de la ciudad de San Juan, Argentina. Nuestra propuesta fue presentada por un UTE conformada por las empresas Isolux Corsán (España), Regam S.A. (Córdoba) y Sigma S.A. (San Juan).
Presentarse a este tipo de selecciones, fuera del grado de transparencia que ofrecen los concursos organizados por las entidades que representan a los arquitectos, es un riesgo que como profesionales asumimos. El proceso, que duró prácticamente un año y estuvo determinado por tiempos políticos, no resultó confiable y sufrió diversas manipulaciones e idas y vueltas tal como la anulación de todo lo actuado y un nuevo llamado en pocos días entre otras irregularidades.
 Independientemente del sistema elegido, desarrollar un proyecto para un Teatro Lírico, con una sala principal para 1200 personas y una secundaria para 250, con talleres, salas de ensayo, salas de exposición, significó una experiencia que una vez más despertó en nosotros un gran entusiasmo y vocación de experimentar acerca de la relación de estos programas con su entorno, con el paisaje, con la memoria de los ciudadanos, con la historia de la ciudad y su futuro inmediato y mediato. De ahí el proyecto y el texto que siguen:
“Dos ideas fundamentales han impulsado el desarrollo del proyecto. Por un lado, recordar, emular el paisaje cercano de las montañas. Trasladar a la ciudad edificada el paisaje del que procede. Por otro, construir conscientes de la realidad climática, del fuerte sol de la ciudad.
El edificio propuesto, en su orientación norte y nor-este, se rodea de un gran espacio porticado que además de evitar el fuerte soleamiento actuando como magnífico regulador térmico, establece una relación graduada entre el interior y exterior, entre lo público y lo más privado.
La organización funcional aconseja colocar los usos interiores y de servicio hacia la fachada sur y sur-oeste. Se configuran en estas orientaciones unos cuerpos más densos, ocupados por todos aquellos usos de carácter no público, “sirvientes” que permiten el funcionamiento del edificio. En términos formales, se produce así una respuesta urbana más opaca y más acorde con la orientación y la naturaleza más compacta de esta parte de la ciudad. El edificio funciona pues con un sistema de accesos, de circulaciones y usos en el que existe una independencia total entre lo público, lo privado y el servicio.
El gran “porche”, “espacio urbano cubierto”, “lugar previo de encuentro”, o como quiera calificarse (su riqueza permite varios calificativos), es la antesala de los vestíbulos interiores. Unos vestíbulos interiores que, contaminados por el anterior, participan en altura y configuración de su riqueza. Se trata, tal y como sugería el programa, de áreas previas de acceso a las salas en donde también pueden hacerse exposiciones, encuentros o actividades de distinto carácter. Los vestíbulos articulan los dos volúmenes de las salas principales y entre ellos se coloca un gran patio ajardinado que provee de luz natural el interior evitando el problema que pudiera generarse por las excesivas profundidades. En torno a este espacio, se localizan igualmente la cafetería y el restaurante con acceso tanto desde la zona pública como desde la más privada de camerinos y usos interiores. Los auditorios, tanto el principal como el de cámara, se conciben como dos “cajas mágicas”, claras y rotundas hacia los vestíbulos, pero sensuales y atractivas en su interior. Se juega con el efecto sorpresa que tan ricos resultados ha originado en la historia de la arquitectura.
Las dos ideas básicas que sustentan el proyecto, hacen referencia a la voluntad de unir el paisaje natural de las cordilleras próximas, de los gigantes montañosos del paisaje, con la condición abstracta y artificial de la ciudad. La imagen del proyecto se nutre de esta idea y, también, del gran espacio porticado de acceso La intersección entre la metáfora del paisaje y la realidad del clima, se fusionan aquí para producir una imagen rica, como corresponde a la importancia institucional y pública del edificio que se nos propone. En este sentido, pudiéramos decir que el edificio es el resultado de dos respuestas a escalas distintas.El gran pórtico, la respuesta más inmediata y cercana a la ciudad y al espacio público, se transforma en el plinto, en el basamento sobre el que se colocan los grandes volúmenes quebrados y fuertes, que miran a las montañas de las que San Juan extrae su fuerza y su elemento vital, el agua. Espacio público y montañas, ciudad y paisaje son el origen de una imagen fuerte y atractiva, cercana e institucional, de gran y pequeña escala a la vez. Una imagen rica y sugerente. En todo caso, no llamada a pasar desapercibida. La organización del auditorio grande sigue criterios acústicos (se ha realizado un modelo geométrico para estudiar su perfecto funcionamiento acústico del que se adjunta documentación), así como de respuesta a los distintos programas sugeridos en las bases (tanto en lo referente al público de platea como de palcos). El acceso a los mismos desde los vestíbulos de triple y cuádruple alturas, se hace de una manera sencilla. Las escaleras y ascensores previstos al efecto, después de un recorrido que permite tener una visión total del conjunto interior, se sitúan en lugares estratégicos para facilitar tanto el acceso como la rápida evacuación.
El volumen del gran pórtico de entrada, más cercano al ciudadano, más sensible a su tránsito, a ser tocado, se propone ejecutado con cerámica. Una cerámica rica y fresca en su tacto. Una cerámica de un tono “blanco manchado” que refleje la excesiva luz, pero que resulte agradable al tacto. Texturada, vidriada y con reflejos. Exteriormente pensamos que los volúmenes tienen que recordar esa estructura rocosa del paisaje. Adoptamos por tanto el hormigón con encofrado de tablilla, rugoso y rico, probablemente utilizado con algún tipo de colorante, para la construcción de los volúmenes principales de las salas y las fachadas sur y sur-oeste Interiormente, la madera asume un papel protagonista, tanto en los vestíbulos, como en el interior de las salas. Se prevé su uso en paramentos verticales y horizontales.”

jueves, 14 de junio de 2012

Deco Buen día, sol



Estilos / Deco Buen día, sol
Amigable con el medioambiente, esta casa container evita los tiempos largos de la construcción tradicional sin perder sus beneficios
publicado en La Nación Deco

El poder de lo simple
1- La arquitecta Paola Rossi, del Estudio Prarx, concibió un sistema de viviendas que, como este prototipo emplazado en José Ignacio (Uruguay), incluye containers apoyados sobre estructuras de hormigón, un deck y una escalera exterior de hierro y madera
INVITACION AL RELAX
2- En el estar, unas butacas vintage tapizadas en cuero y gamuza hacen buen contrapunto con el estilo contemporáneo de la mesa diseñada por el Estudio Prarx para Casa Foa 2007, y la lámpara de pie Tolomeo mega
3- A la hora del descanso, una cama antigua hace las veces de austero camastro, apto para leer un libro o, simplemente, contemplar el entorno natural
COMODIDAD JUSTA
4- Los muebles de la cocina se realizaron en melamina y aluminio, con mesada en mármol de Carrara. Las sillas son de madera de cedro con asiento de hilo sisal.
5- El sabio equilibrio entre texturas cálidas, elementos rústicos y artefactos actuales se mantiene en los baños, donde se destaca el revestimiento en madera de lapacho y un espejo antiguo
PRODUCCION: Baby Padilla

miércoles, 13 de junio de 2012

El aumento de la tragedia: una conversación con Calatrava, Childs y Libeskind por Andrew Caruso

El aumento de la tragedia: una conversación con Calatrava, Childs y Libeskind por Andrew Caruso
Revista Metropolis
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1 del World Trade Center de representación © SOM / dbox estudio


Museo Nacional de la Construcción y de la revista Metropolis colaborador Andrew Caruso le lleva "dentro de la mente de diseño" de tres figuras prominentes en el proceso de 11.9 reconstrucción en esta entrevista realizada recientemente en la Convención de 2012 de Aia.
Heroica. Contemplativa. Duelo. Victorioso. El renacimiento del sitio antiguo World Trade Center en el bajo Manhattan ha generado una importante reacción del público y la reflexión. Con implicaciones tan complejas como son profundas, no es sorprendente que se haya tomado más de una década para curar las cicatrices urbanas del 11 de septiembre de 2001.
Tuve la rara oportunidad de sentarse con tres arquitectos que trabajan en el lugar,Santiago Calatrava , David Childs y Daniel Libeskind , en el Instituto Americano de reciente convención de Arquitectos en Washington, DC, donde fueron homenajeados junto con otros cuatro, como " Arquitectos de la curación . "Hemos discutido su experiencia en la remodelación de uno de los sitios culturales más importantes de la historia de los Estados Unidos.
Con esta entrevista iniciamos una serie de conversaciones, "Dentro de la Mente de diseño," con los arquitectos clave, la exploración de las motivaciones de los iconos del diseño de hoy y las personas influyentes. Esta iniciativa es parte del propósito de la construcción del Museo Nacional para contar la historia de nuestro tiempo a través de la arquitectura, ingeniería y diseño.

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Nacional 9/11 Memorial aérea © Joe Woolhead



Andrew Caruso: ¿Qué es la arquitectura, tal vez distinta de otras formas de arte, que promueve un proceso de sanación?
Santiago Calatrava: Nunca he pensado en eso, pero entendemos la arquitectura como tener un sentido de permanencia. Arquitectura sobre todo nos sobrevive. Lo que construimos, somos conscientes de que se mantiene para la próxima generación. En términos de dar la sensación de ser recordado, la arquitectura es muy útil.
Ser recordado, en América, es la raíz de la palabra el monumento. Por lo tanto, el carácter monumento [sic] de la arquitectura tiene que ver con el paso de una idea a la siguiente generación.Por un lado, la arquitectura preservará [esta memoria] para la próxima generación para que nunca más suceda, y en el otro lado, [la actitud] para la reconstrucción, es también ejemplo para las generaciones venideras. A partir de estos dos puntos se puede ver analíticamente el profundo sentido del esfuerzo en el bajo Manhattan.
David Childs : Yo no estoy tan seguro de que comprar en eso. ¿Se puede realmente describir la escultura es diferente de la pintura, desde la arquitectura? En los últimos tres o cuatro décadas se ha producido una fusión de estas disciplinas. Creo que, de hecho, estas cosas se han difuminado. Es tan maravilloso, la apertura de la misma.Arquitectura sin duda puede [curar] a su manera, pero también puede hacerlo la poesía.
Daniel Libeskind: Arquitectura promueve la curación, ya que reúne a la gente. Es, literalmente, el espacio de las emociones y de nuestras vidas. No hay nada abstracto acerca de la arquitectura cuando se trata de la curación. Sin embargo, es algo también de los sueños porque la arquitectura crea la perspectiva de la orientación de donde se encuentre, y de la memoria, al mismo tiempo. En ese sentido creo que es el mejor instrumento de sanación que tenemos. Cada contexto urbano y la construcción lleva a la gente en un todo social y contextual. Ese es el enigma y el poder de la arquitectura.
Caruso: ¿Qué nueva conciencia surgió este proyecto específico de llevar a usted como diseñador?
Calatrava: A medida que escucho en mi acento, yo no soy americano. Pero la tragedia del 11 de septiembre no fue un hecho local, sino que era un hecho en todo el mundo.El mundo después del 11 de septiembre-el día después de la era diferente. El 11 de septiembre, nunca pensé que iba a haber estado aquí hoy. Para ser parte de aquellos que han contribuido, y yo soy sólo una parte, creo que es parte de mi destino.
Libeskind: Soy un neoyorquino, un inmigrante de la ciudad. Es por eso que no sólo la reconstrucción de los edificios necesarios. Yo quería imbuir a la página con el espíritu de lo que creo que Nueva York para estar. Aunque los edificios se levantan en una cuadrícula, que forman una espiral abierta al río Hudson, la gran ruta de los inmigrantes. Yo quería imbuir el sitio con el simbolismo de la luz, que se abre entre las 8:46 am y 10:28 am, cuando el mundo cambió, de ser un monumento a la luz y un nuevo gran espacio cívico más allá del propio monumento. La altura del edificio 1776-I, parte no le importó que debería ser el edificio más alto del mundo, pero yo quería que la gente siente que la Declaración de Independencia está conectada a la base en que las personas se cayó, y así llega a ser demasiado del monumento
Es un proyecto sin precedentes. No se puede prever de qué manera emocional y complejo como es un proyecto. Es un maratón y no un sprint. Tienes que tener mucha paciencia y no puede dejarse llevar por todo tipo de opiniones y chismes que genera a su alrededor. Uno aprende muchas cosas que nunca podría aprender desde cualquier lugar que no sea esa experiencia.
Caruso : Childs, que has hecho muchos rascacielos antes. ¿Qué era tan diferente en un World Trade Center?
Childs : Bueno, cada edificio tiene sus propios desafíos. Este tenía muchos problemas técnicos. Está en un río, un río grande. Usted tiene que bajar 80 metros al lecho de roca a modo de ancla hacia abajo. Y, al ser un edificio alto, que es otro animal, por lo que la relación de esbeltez es muy complicado.
Pero hay un montón de [otros] los aspectos que tenían que llevarse a cabo. En primer lugar, por supuesto, era lo simbólico: la reconstrucción de la línea del horizonte. Pero también tomamos tan en serio el avance del arte de la arquitectura en términos de su seguridad. El rascacielos es realmente un invento americano, pero hemos perdido la cabeza. Esta fue una llamada de atención y nos ha permitido actualizar todo tipo de códigos en Nueva York que se han convertido en modelos para otras ciudades.
Caruso : Calatrava, su práctica se ha explorado el increíble equilibrio entre la belleza y el rendimiento en la arquitectura. ¿Cómo ampliar el concepto de equilibrio para dar cabida a las emociones y las necesidades físicas de la estación del PATH en la Zona Cero?
Calatrava : He estado involucrado en varias estaciones de ferrocarril, y reconozco que son básicamente funcional. Tienen que trabajar. Tienen que ser fácil de usar, la función de las veinticuatro horas del día y son probablemente la mayoría de los edificios públicos, porque todo el mundo puede entrar y salir, sin restricciones, sin límites.
Pero las estaciones también tienen algo místico. Son las puertas, la gente va a las ciudades y salir de las ciudades a través de ellos. En la historia de Nueva York, los edificios enormes, interesante y hermosa ha servido durante 100 años [ahora] diez veces más personas con la misma infraestructura.
Tratamos de captar todo eso y creo que lo que nuestro esfuerzo es elevado a la Autoridad Portuaria, en sí misma. Querían captar el espíritu de los grandes edificios de Nueva York. Sin [la colaboración] el proyecto hubiera sido imposible.
Caruso : Libeskind, que ha trabajado con mucho éxito como arquitecto de la curación, sobre todo para el Museo Jüdisches, Berlín. ¿Qué pasa con estos proyectos que usted a ellos?
Libeskind : No sé si estoy preparado para ellos, pero estos proyectos no son abstractos para mí, son parte de mi propia experiencia. Ya sea como alguien nacido para los sobrevivientes del Holocausto o alguien que estudió arquitectura en Europa, cuando las Torres Gemelas se construyeron, no es algo que es muy remota. La respuesta a ella fue una respuesta inmediata. Llegó desde el corazón. Por supuesto, usted tiene que apoyar esa respuesta con una gran cantidad de conocimientos técnicos y profesionales, pero en última instancia se trata de la respuesta humana y los valores que creo que Nueva York sea una gran ciudad, una ciudad de oportunidades, la libertad, la libertad, el talento, y un el fanatismo de la ciudad, donde no se tolera.Como inmigrante, siento que esta es realmente la configuración del sitio. Ahí es donde pensamos que tiene que traer el carácter de lo público [sic] de soportar.
Caruso : ¿Cómo se mide el éxito de este proyecto colectivo?
Calatrava : No puedo juzgar a todo el mundo cuánto tiempo tendremos que reconstruir, pero es muy importante que toda la reconstrucción que sucede. Este es un objetivo clave. Tenemos que preservar este objetivo y no perder la resistencia o velocidad. El éxito de este proyecto se medirá en la que realmente logra el objetivo de que la gente pone [a nosotros] hace diez años. Ese es el número uno.
Childs : Hace diez años, cuando todo el mundo se fue hasta el sitio que se mira hacia abajo con el ceño fruncido en su rostro. Ahora que mirar hacia arriba y sonríe. La gente le encanta ver cosas que ocurren una vez más y están siendo reemplazadas.
Creo que [1 World Trade Center] claramente ha hecho avances, a partir de detalles técnicos de la pared de la ventana a la ingeniería verde, y así sucesivamente. Y creo que la gente responde de forma tan positiva de ver ese marcador. [Después de 11 de septiembre], que vio la punta de Manhattan y no tenía idea de que el World Trade Center fue. Pero ahora, no hay de que la presencia vertical. Hay un diálogo bueno ahora entre el centro y centro de la ciudad que se perdió. Tenemos el centro de los edificios de altura, pero la conexión es de nuevo, una especie de hablar el uno al otro como cuando las torres estaban allí.
Libeskind : El éxito se mide en la forma en que reúne dos aspectos casi irreconciliables: la pérdida de aquellos que perecieron en ese trágico día y una fuerza para reconstruir la ciudad en una afirmación de la vida. Y creo que esas dos cosas van juntas, no son realmente opuestos. Uno apoya a la otra y esa es la belleza del desarrollo de la Zona Cero.
No fue fácil de lograr, pero yo quería tocar la plenitud de la experiencia de lo que ocurrió allí. Y, al mismo tiempo que yo quería a que las calles que son interesantes y equilibrar la necesidad de venta al por menor y abierto a la memoria de una manera cívica. Se trata de una compleja ecuación de la emoción y el realismo, y creo que ambos son necesarios. Eso es lo que Nueva York siempre ha sido.
El éxito se mide también en respuesta a las necesidades de las personas. No es la altura de los edificios, se trata de la atmósfera de curación que un espacio se comunica. Eso es inefable, no se puede medir en una escala de valores objetivos. Es algo profundamente cultural y espiritual, y eso es lo que yo definiría como el arte de la arquitectura cívica, el arte cívico de las ciudades. Equilibra la memoria y la tragedia, la integra en la vida y la vida se mueve hacia adelante de una manera que está llena de alegría y celebración. Esta es realmente la idea de vivir en una ciudad abierta y democrática.
Caruso : ¿Qué piensas ahora, cuando usted camina en el sitio?
Libeskind : Me inspira que todas las cosas que fueron dibujados son realmente en marcha y se ven fantásticas. Y puedo ver que la gente tiene una sonrisa en su cara y de repente se vuelve a la memoria. Veo que la energía de volver a este lugar como muy interesante, cívica, importante y hermoso, algo que creo que va a contribuir al futuro de una gran ciudad.

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World Trade Center de Plaza Sendero estación de © John Bartelstone Fotografía


Acerca de "Dentro de la Mente Diseño" Andrew Caruso , AIA, LEED AP BD + C, CDT, publica y habla a nivel internacional en temas de talento dentro de las industrias creativas. Su última columna, "Dentro de la Mente de diseño", explora las motivaciones de los iconos del diseño de hoy y las personas influyentes, al explorar elementos clave de su identidad y el examen de su organización dentro de la comunidad de práctica. Andrew puede ser contactado en: consultas [en] andrewcaruso [dot] com. "Dentro de la Mente de diseño" se presenta en asociación con el National Building Museum y la revista Metrópolis .

Esta entrevista fue publicada originalmente por el National Building Museum y la revista Metrópolis .

Lisboa antigua y señorial...


Lisboa antigua y señorial...
enviado por El Caballero Español

Los teléfonos celulares han dado al traste con las viejas cabinas de paredes de cristal de cada esquina de la Lisboa antigua y señorial del fado, en las que siempre había un hombre bien vestido y un tanto enigmático que indudablemente estaba citándose con una mujer.
Siguen surcando la ciudad los simpáticos tranvías amarillos de Lisboa, desde cuyas ventanillas es un placer ver todo lo de fuera como pasado por un sutil tamiz de celofán.
Por la Avenida de la Libertad, una orgía de colores de anuncios luminosos. Agencias de viaje, bancos, camiserías, hoteles de lujo y, de trecho en trecho, esos inefables cafés-pastelerías-tiendas de ultramarinos-quioscos de periódicos,  todo en una pieza, donde se puede tomar el té de las cinco a las seis, o a las cuatro, comprar cien gramos de pimentón y leer una revista mientras un limpiabotas -los de Lisboa son los mejores del mundo- le lustra a uno afanosamente los zapatos hasta dejárselos como espejos.
Los verdes oscuros del Parque de Eduardo VII. El imponente edificio de El Diario de Noticias, uno de los matutinos de mayor tirada de Portugal. Coches,  cines, tiendas de objetos de regalo, mercaditos express…
Plaza del Marqués de Pombal. Un turista sueco o danés, o tal vez alemán del norte, de enmarañada barba rubia, con gafas de carey y un traje Príncipe de Gales color castaño, pasea en dirección a la calle Antonio de Aguiar con un mono parduzco y cansino al que lleva sujeto del lomo por una correa de cuero trenzado.
Hay que pasear un rato por los bulevares, aprovechando los últimos destellos del agonizante sol de la tarde, y en cuanto oscurezca, irse a un café.

El Café A Brasileira

El Café A Brasileira (foto) está abarrotado de escritores, pintores, periodistas, actores y algún que otro politiquillo de chicha y nabo. A Brasileira no deja de parecerse al café Gijón de Madrid, o a cualquier otro de tertulianos de cualquier ciudad del mundo. Hay viejas pinturas, oscurecidas por el humo de los habanos y los cigarrillos –cuando se fumaba- por las paredes. Casi a la altura del techo, las telas amarillentas que son otro de los signos identificatorios de A Brasileira. En la terraza han puesto una estatua de Fernando Pessoa sentado, husmeando unos papeles, como no podía ser de otra manera, tratándose de un escritor.
He aquí un café ideal para recalar en él una tarde como ésta en que llueva, con una lluvia fina y dulce, casi garúa limeña, a la vera de una novia de bellos ojos castaños, de buen físico, que viva sola en las afueras, para explicarle en voz baja cómo se le sube a uno el corazón a la garganta en las tardes de lluvia. Salimos de Brasileira -todo el mundo lo llama así, sin la A inicial-. Farolas y tubos de neón. El asfalto húmedo refleja las luces rojas, azules y blancas de los anuncios luminosos.
El Museo Nacional del Coche está enclavado en el antiguo picadero del Palacio de Belén. Fue proyectado por el arquitecto italiano Giacomo Azzolini. Se exhiben en él vehículos de los siglos XVII, XVIII y XIX, de entre los cuales destacan los carruajes de gala del XVII.
Tanto por la cantidad de ejemplares expuestos como por su belleza, esta colección puede contarse entre las mejores del mundo. Supera incluso la de Versalles, según los entendidos.
Algunas de estas carrozas, por la delicadeza y el lujo de sus pinturas, sus tallas y sus bronces parecen más bien auténticas obras de arte sin más objeto que ser expuestas y admiradas. Se construyeron, sin embargo, para figurar en las ceremonias de la corte portuguesa. Hay también preciosos ejemplares de literas, sillas de mano, berlinas; y calesas, arreos, libreas, uniformes y trajes de corte y de armas.
Salimos de un museo y nos metemos en otro.
En el Museo Nacional de Arte Antiguo hay una impresionante colección de obras de pintores portugueses de los siglos XV y XVI, siglos dorados para la cultura y el arte de Portugal. Lo mejor de los denominados primitivos portugueses: los paineles de San Vicente de Fora.
Tapices. Esmaltes. Grabados. Cerámica y platería. La vajilla Germain, de plata pura, de más de una tonelada de peso en su totalidad, cuyas piezas grandes impresionan por su tamaño y las pequeñas por la extraordinaria delicadeza de su ornamentación.
Y cuadros de Poussin, Rafael, Van Dyck, Reynolds, Brueghel, Cranach, Teniers, Murillo, Velázquez…
Comemos en una especie de tasca de tronío. Cocido portugués: carne de vaca, oreja de cerdo, chorizo, morcilla, repollo, grelos, alubias pintas y
arroz blanco; queso de Roquefort y un vino tinto muy aceptable; con el café, un coñac Aliança decepcionante.

Alfama

Escogemos para llegar a Alfama, el barrio más típico, el más antiguo de Lisboa, el primero de los caminos en que se dividió su recorrido para mayor comodidad de los visitantes. Partimos de la Plaza de la Fuente de Dentro y nos internamos en Alfama por la calle de San Pedro, desde la que se ve la cálebre casa de las columnas, una de las más curiosas del barrio. Llegamos por la rúa de Pocinho a la calle de San Miguel: las torres de las iglesias de San Esteban, a la derecha, y de San Miguel a la Izquierda. Seguimos por la calle Cardosa -al final de la cual está el patio de las Parreirinhas- y subimos por las escalerillas que conducen al Castillo Pisao. Iglesia de San Esteban. Calle Regueira. Callejón del Carneiro…
Volviendo atrás seguimos por la calle de San Miguel hasta la plaza donde está la iglesia del mismo nombre. Damos la vuelta por el lado Izquierdo y subimos a la Plaza de la Cantina Escolar: Calle de las Alcacerías, donde están los manantiales de agua caliente de los cuales Alfama recibió su nombre.
El Callejón de los Perfumes, en el que hay una vieja piedra con las armas de Lisboa. Del lado opuesto, por la calleja de las Bárrelas, llegamos a la plaza de San Rafaelo. Continuamos por la calle de la Judería hasta arribar a una pequeña plaza y desde allí, por el Arco del Rosario, antigua puerta del mar, desembocamos finalmente en Terreira do Trigo.

Reliquia, tipismo, laberinto…

Todo el pasado de Lisboa está anclado en Alfama, dormido, como incrustado en la piedra berroqueña de sus calles melancólicas, en el impresionante silencio de sus minúsculas placitas recoletas; aletea desde cada mirador como el vuelo cansino de los vencejos a la caída de la tarde; brilla con reflejos apagados, de esmalte antiguo, en cada registro de azulejo.
Alfama es reliquia, tipismo, laberinto, alegría, desorden y agitación. Como diría Umberto de Araujo es poesía caída en un clavel del tiesto, lirismo tenso de una pareja al atardecer, cuando las madres preparan la cena; bailes de San Antonio y de todo el año, reminiscencias solariegas, perpetuidad del devenir humano...
Griterío de chiquillos. El pregón de los vendedores de mil y una naderías. Ruinas de viejos caserones. Fuentes. Faroles de hierro forjado. Miradores. Azulejos. Rúas estrechas que se cruzan y entrecruzan para terminar la mayoría de las veces en callejones sin salida.

© José Luis Alvarez Fermosel

Cine y Arquitectura: "Lost in Translation"



Cine y Arquitectura: "Lost in Translation"
Por Daniel Portilla  para ArchDaily

La segunda película de  fue aclamado por la crítica, y con razones justas. Esto demuestra de una manera sutil pero profunda de los contrastes entre las culturas japonesa y estadounidense, utilizando la increíble ciudad de  como telón de fondo para ello.
Los personajes son inmersos en un entorno muy diferente, que la atmósfera se muestra a través de las escenas en las que interactúan con el entorno exterior. Estos ambientes están representados de una manera más allá del enfoque típico de las películas de otros, tratando de alguna manera, para realmente entender cómo estos espacios se perciben.
Como siempre, esperamos sus comentarios sobre la película y, específicamente, acerca de este concepto el choque cultural y la arquitectura.
INFORMACIÓN PRINCIPAL
Título Original:  Lost in Translation
Año:  2003
Duración:  105 min.
País:  Estados Unidos, Japón
Director:  Sofía Coppola
Guión: Sofía Coppola película:  Brian Reitzell Fotografía:  Lance Acord Reparto:  Scarlett Johansson,  Bill Murray , Giovanni Ribisi , Anna Faris , Akiko Takeshita, Ryuichiro Baba, Catherine Lambert 



PARCELA
Bob Harris (Murray), una vieja estrella cinematográfica estadounidense, llega a Tokio para rodar un anuncio de whisky Suntory, para lo cual recibirá $ 2 millones. Charlotte (Scarlett Johansson), un joven graduado de la universidad, se queda atrás en su habitación de hotel por su marido, John (Ribisi), un fotógrafo de celebridades en la asignación de Tokio. Charlotte no está seguro de su futuro con él, como ella cree que él tiene más interés en los modelos de sus celebridades, sobre todo una actriz joven y popular llamada Kelly (Faris), de lo que hace en ella. Al mismo tiempo, propia de Bob de 25 años de matrimonio está cansado y falto de romanticismo a medida que avanza a través de una crisis de mediana edad.
Una noche, después de una larga sesión de fotos, Bob se retira al bar del hotel. Charlotte, sentado en una mesa con Juan y sus amigos, los avisos de Bob y tiene un camarero le trae un plato de bocadillos de su mesa. Más tarde, Bob y Charlotte tienen breves encuentros cada noche en el bar del hotel, hasta que Charlotte invita a Bob para reunirse con algunos amigos locales de la suya. Bob acepta y llega más tarde en su habitación del hotel vestido con ropas que parecen estar diseñados para una generación más joven. Mientras tanto, los dos comienzan una amistad y unión a través de sus aventuras en Tokio, junto al mismo tiempo experimentando las diferencias entre la cultura japonesa y americana, y entre sus propias generaciones.
En la penúltima noche de su estancia, Bob atrae la atención de la cantante residente. A la mañana siguiente, Bob se despierta para encontrar a la mujer en su habitación, al parecer, después de haber dormido con ella. Charlotte llega a su habitación para ir a desayunar sólo para encontrar a la mujer en su habitación, dando lugar a conflictos y tensiones en un almuerzo posterior. Más tarde esa noche, durante una alarma de incendio en el hotel, Bob y Charlotte se reconcilian y expresar la forma en que se pierda uno al otro mientras hacen un viaje de más de regreso al bar del hotel. A la mañana siguiente, Bob se encuentra para su posterior salida hacia los Estados Unidos.
TRAILER
Anteriormente publicado en esta sección ...

U$ 64 millones para la caja de vidrio en el norte de Nueva York

U$ 64 millones para la caja de vidrio en el norte de Nueva York
Corning Museum of Glass presenta una nueva Phifer diseñado por la expansión


El Museo del Vidrio de Corning ha desvelado sus planes para una expansión de $ 64 millones, lo que, una vez terminado, será el mayor espacio en cualquier lugar dedicado a la presentación del arte en vidrio contemporáneo. Diseñado por el arquitecto de Nueva York, Thomas Phifer and Partners, que también diseñó el North Carolina Museum of Art, en Raleigh, el proyecto creará una nueva ala norte con luminosas galerías, así como una de las mayores instalaciones para las demostraciones de soplado de vidrio y cristal en vivo sesiones de diseño.

El proyecto financiado en su totalidad se está llevando a cabo para aliviar la presión sobre el museo ya ha tenido éxito, que recibe 400.000 visitantes cada año, y para aumentar las instalaciones existentes. "Durante la última década, hemos experimentado un tremendo crecimiento: en nuestras colecciones, y en nuestro público cada vez más diversas, y en el aliento y la ambición de los programas públicos, especialmente aquellos que permiten a los visitantes experimentar la energía de artistas y diseñadores en el trabajo. Esta transformación responde a esas demandas ", dijo Karol Wight, director ejecutivo del museo.

El diseño de Phifer crea 26.000 pies cuadrados de espacio de la galería llena de luz que es la escala adecuada a las obras que se muestran allí. "El nuevo sistema de iluminación natural representa un cambio dramático en la forma en obras contemporáneas de vidrio se ven, y las esculturas monumentales del Museo tendrán ahora un espacio expositivo adecuado a su tamaño", dijo Tina Oldknow, curador del Museo del vidrio moderno. El diseño también incluye la renovación del edificio de ventilación mecánica icónica de la fábrica de cristal de Steuben antigua, que está adyacente al actual edificio del Museo. Este espacio de fabricación de vidrio nuevo cabida a 500 personas y disponen de un balcón-galería nivel de ejecución en todo el perímetro del recinto que ofrecerá vistas de 360 ​​grados de la fabricación de vidrio a continuación.

La nueva ala norte tendrá una fachada innovadora de aluminio blanco y cristal con las láminas perpendiculares de vidrios especiales ultra-delgado. Estos materiales se yuxtaponen con el exterior del edificio negro ventilador restaurado creando un interesante diálogo entre las dos estructuras. Costura de la escuela juntos, que también incluye edificios diseñados por Harrison y Abramovitz, Birkerts Gunnar, Smith-Miller + Hawkinson y Bohlin Cywinski Jackson, será el encargado de la firma de arquitectura del paisaje, Reed Asociados Hildebrand (RHA). ARS está trabajando con el Museo de diseñar nuevos espacios de reunión al aire libre para el público, incluyendo una zona verde del campus 1-acres que ofrecen puntos de vista en la luminosa galería nueva y los espacios de fabricación de vidrio. El proyecto está programado para completarse en 2014.

Sharon McHugh 
corresponsales en los EE.UU.








Escenografía teatral antiguo se vuelve a imaginar en el Teatro Griego de Siracusa, Italia

Escenografía teatral antiguo se vuelve a imaginar en el Teatro Griego de Siracusa, Italia


Escenografía teatral antiguo se vuelve a imaginar en el Teatro Griego de Siracusa, Italia
OMA han terminado recientemente su proyecto de escenografía, la creación de una nueva etapa para el Teatro Griego de Siracusa, en Italia. Una estructura temporal, tendrá en cuenta las tres obras de teatro de la compañía lleva a cabo cada verano.
La etapa, con andamios de aluminio con madera contrachapada marina de múltiples capas, trabaja para reinterpretar la idea de espacio a través de su integración de los tres dispositivos antiguos arquitectónicos utilizados en los cines en quinto siglo AEC. El Anillo es la primera, una pasarela suspendida que abarca todo el escenario y entre bastidores, se da a los actores una forma alternativa e impresionante de entrar en la escena.
La máquina funciona como un telón de fondo de 7m de altura para el desempeño. Es una plataforma inclinada circular imitando la apariencia del anfiteatro. Tiene múltiples funciones: rotación, que se utiliza en Prometeo para representar el paso del tiempo, y se puede abrir para permitir la entrada de los agentes, que proporciona dramático en el escenario inmediatez. Por último, la Balsa , un escenario circular diseñado para adaptarse a los artistas, reinterpretando el espacio de la orquesta como una idea contemporánea de thymele griego.
Dirigido por siete socios, Rem Koolhaas, Ellen van Loon, Reinier de Graaf, Shohei Shigematsu, Iyad Alsaka, Gianotten David y socio director de Victor van der Chijs, OMA - operar su práctica internacional desde sus oficinas en Rotterdam, Nueva York, Pekín, Hong Kong , y pronto se expandirá a Doha. AMO es su estudio de investigación de la contraparte y servicio de asesoramiento, y han acompañado a OMA en su práctica del urbanismo y el análisis cultural.
Samantha Morley 
Editorial