martes, 23 de octubre de 2012

Entrevista a Paulo Mendes da Rocha por Inés Moisset y Sabina Uribarren Para 30-60 cuaderno latinoamericano de arquitectura N°10 espacios culturales



Entrevista a Paulo Mendes da Rocha por Inés Moisset y Sabina Uribarren 
Para 30-60 cuaderno latinoamericano de arquitectura N°10 espacios culturales 
Créditos fotográficos: Inés Moisset y Omar Paris
enviado por 30-60 especial para ArquiNoticias 

Es un referente de la arquitectura moderna latinoamericana. Nace en 1928 en Vitoria, Brasil. Se recibe de arquitecto en 1954 en la Universidad Mackenzie. Fue profesor de la FAU, USP (1959-1998). Ha ganado numerosos concursos públicos. Entre otros reconocimientos, en el año 2000 recibió el Premio Mies Van de Rohe a la Arquitectura Latinoamericana por la Pinacoteca del Estado de São Paulo y en 2006 el Premio Pritzker, una de las mayores distinciones a la trayectoria en el campo de la arquitectura. 

IM: Estamos armando un número dedicado a espacios culturales... museos, escuelas, bibliotecas... 

PMR: Yo podría decir que hay que mostrar la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo, de Vilanova Artigas. Pero Vilanova Artigas una vez más no es la cuestión, sino el edificio que es muy extraordinario, muy sui generis. Es una obra inconclusa. El intento de hacer algo es una belleza. El edificio de la Facultad de Arquitectura tiene corredores, talleres y todo abierto. Como en los ateliers de los artistas de los años 20 en Paris que son emblemáticos, tienen claraboyas, mucha iluminación. En los talleres si tienes una ventana sirve para los que están cerca, pero en los ateliers hay luz para todos. 
Es todo muy inteligente: la entrada, la cantina, el auditorio, la parte pública. El encuentro se produce en la entrada, en la cantina se puede comer, conversar: es la visión de una ciudadela. Está la conciencia del grupo. El estudiante cuando va a estudiar se aleja de la casa y va hacia la vida pública. 
Hay una biblioteca para todos. La biblioteca de la FAU es una de las mejores bibliotecas de arquitectura del mundo 
Artigas pensaba que la FAU alimenta a la Universidad. Es una facultad de arquitectura que puede decir a la filosofía, a la geografía, a la historia, a la lingüística, a la matemática, lo que necesitamos, a donde queremos ir. Una facultad de arquitectura representa todos los deseos humanos, los más urgentes, la construcción de la ciudad. 
La cuestión es multidisciplinar por lo tanto si no puedes saber de todo debes saber de un modo peculiar. LA ARQUITECTURA ES UN MODO PECULIAR DE CONOCIMIENTO. El momento, la conveniencia, la urgencia, los deseos, las necesidades, la técnica, resolver problemas: eso es en sí la arquitectura. La dimensión de la arquitectura como un discurso como lenguaje es muy peculiar porque es primordial construir el abrigo, la casa, la ciudad. Para ser poeta tienes que dominar la lengua. Tienes que construir palabra por palabra lo que quieres decir. Y hay que conocer que los códigos y los recursos son restringidos. Tanto Shakespeare, como Cortázar, como Guimaraes Rosa, usaron las mismas letras. Es una construcción. Si se descompone un poema no dice nada. Si no tienes los recursos no puedes tener imaginación. Por lo tanto tienes que saber como componer, cómo construir para poder reflexionar. No se puede reflexionar en el vacío. Una buena idea no construye una catedral. Es necesario tener una buena piedra y una manera de cortarla. 
IM: Y usted además ha enseñado arquitectura... 

PMR: Yo estudié en la escuela privada Mackenzie. Y después fui invitado por Artigas para ser su profesor auxiliar. Si tenías los antecedentes suficientes y yo ya había ganando algunos concursos, la Universidad aceptaba. En los años 59, 60 comencé como profesor hasta que me jubilé a los 70 años. 

IM: ¿cómo vió como estudiante la llegada a Brasil de la arquitectura moderna? 

PMR: Era una manera muy clara y muy serena de llegar de esas noticias. Tenía un librito que compré de este norteamericano que hace casas, Richard Neutra. Me encantó Richard Neutra. No sé por qué supe hacer una reflexión de no hacer copia. La emoción venía del discurso que está en esas casas oportunas con el paisaje, pero no quería hacer lo mismo. Y para mí toda la lección del movimiento moderno incluye una lección fundamental que es la libertad: se puede hacer de otro modo. No es una virtud ser diferente por el solo hecho de ser diferente. Es para atender las urgentes novedades en el universo. Una ciudad es una novedad en el universo. Se trata de hacer lo que es deseado hace mucho tiempo y no logrado hasta ahora, lo que está aun por hacerse. 
Y otra lección: tenemos que hacer el amparo. La dimensión social aparece en la ciudad contemporánea. Casas para todos. Esto es lo que dio los mejores ejemplos de viviendas colectivas. La clave de la ciudad contemporánea es además la presencia indispensable de las máquinas: los ascensores y metro. Es la mecánica horizontal del transporte de masas y el movimiento vertical del ascensor. 

IM: En la Pinacoteca del Estado se propone una arquitectura que permite poner a la gente en contacto con la cultura. 

PMR: Se puede decir que un museo de Pinacoteca, no es una novedad. Lo que hay interesante ahora son las transformaciones de las ideas de museología y sus técnicas. Pueden ser muy interesantes. Un museo clásico como la Pinacoteca consiste en telas colgadas de las paredes. Aun cuando se organicen exposiciones eventuales de otro tipo. 
Pero el proyecto no es mío. Es del señor Ramos de Azevedo. El señor estaba muy grande ya muerto hace 100 años (risas). Hicimos una sociedad. Yo imaginaba que estábamos juntos diseñando el mismo proyecto. E hice lo que me parecía que debía hacer. 
Estaba la necesidad del servicio público del gobierno: actualizar, modernizar la Pinacoteca, la climatización, etc. Era un programa claro. Se incluyó el laboratorio de restauración, porque hay pocos o ninguno en Brasil. El mejor que se pudiera hacer en una escala adecuada. El mayor no, el mejor. 
En la Pinacoteca hicimos una maniobra. La palabra maniobra es interesante desde la visión naval (operaciones que se hacen para cambiar de rumbo). Cambiamos la posición del edificio sin tocarlo, haciendo que la entrada que daba a la avenida por una escalera pasara al costado que da hacia la Estación da Luz que es muy imponente y que sirve para hacer una recepción inmediata de excursiones escolares, por ejemplo. Los visitantes ingresan por la galería neoclásica de 5 puertas: una es la entrada y las otras dos a cada lado como ventanillas de boletería, guardarropa, etc. Y entrando de esta manera transversal se enfrenta a los vacíos de los patios. Fue muy simple imaginar los puentes para trasponer los vacíos, y cubrir de cristal los vacíos para climatizar. Para evitar que el director tenga que decir: “vamos a cerrar la Pinacoteca. Cierren las ventanas”. ¡Son 110 ventanas! Es de otra época. 
Entonces pudimos sorprender el edificio con esta mirada que no había antes dando libertad a la estricta planta que prácticamente no se tocó. Están allí las cuatro escaleras existentes. En uno de los grandes vacíos se colocó el gran ascensor hidráulico indispensable para montar exposiciones y que no rompe los pisos de madera originales. 

IM: Y después vino el Premio Mies van der Rohe... 

PMR: Sí, pero ese es un problema de la Fundación Mies van der Rohe (risas) 

IM: En el museo de Escultura, ¿cómo surgió el encargo? 

PMR: El MUBE es el resultado de un concurso por invitación a varios estudios de São Paulo que gané. La cuestión era la exposición al aire libre que es muy importante para la escultura. ¿Cómo hacer esto? Si tienes una construcción al medio del terreno, las sobras no son dignas de espacio. Si haces un patio central, es la otra hipótesis, pero a mí no me gusta el patio central porque es colonial. Estaba la hipótesis del techo jardín pero no incluye las sobras del terreno y tiene un acceso difícil para las personas. Entonces vi que había una diferencia de nivel en el terreno que era posible hacer un museo subterráneo, y todo jardín como área de exposición. Ahí hacía falta algo, una marca del lugar, una escala. Y puse la viga que cubre todo y articula, principalmente para darle dimensión a las cosas. Es una gran escultura del tamaño de una casa. 2,30 metros: exageré un poco... 

IM: Es interesante cómo se integra el espacio público abierto con el espacio del museo. 

PMR: Si la idea fue hacer una plaza toda abierta. Después pusieron rejas. La mentalidad pequeño burguesa que abandona el centro de la ciudad, pone rejas a todo. ¡La seguridad! Pero cuando el mal está adentro, cuando no tienes seguridad en el alma... Pero esa es mi forma de pensar. No se puede cambiar al mundo pero se puede intentarlo. 

SU:... y conseguir hacer reflexionar a las personas... 

PMR: La arquitectura tiene una dimensión política fundamental. Es un discurso, una acción, por tanto lo que se llama crítica debe estar en el proyecto. En la construcción se critica, para evitar el desastre. 

SU: Usted encuentra que su generación está más comprometida... 

PMR: Es una cuestión mundial... El movimiento hippie fue un movimiento muy extraordinario pero no progresó porque su dimensión de libertad era una libertad puramente transgresora. 
Se tiene que llevar esa libertad al nivel de la ciencia, la investigación, la universidad. Eso fue poco a poco masacrado: Chile, Brasil, Argentina... (Muchos años de dictadura militar fascista). La juventud de hoy es una consecuencia de esa represión. Pero está saliendo poco a poco. 
Yo fui echado de la facultad y prohibido de modo directo e indirecto. Y quedé por ahí... como pude... Es una cosa muy amarga, no vale la pena ni comentar. Pero estamos obligados a cultivar la memoria. 

SU: En el modernismo de Brasil al mismo tiempo que inventaban el futuro en la arquitectura, rescataban el pasado, el patrimonio, la tradición. 

PMR: El futuro es siempre una reconstrucción del pasado. La historia es la experiencia. La inteligencia de ingeniería militar de los portugueses y la construcción de ciudades, los fuertes, las defensas son un ejemplo. Los fuertes y las fortalezas no pueden elegir lugar, tienen que estar allí. Enfrentan dificultades increíbles en la construcción mucho más que quienes replican o repiten capillitas. En Salvador de Bahía, las iglesias no valen nada. Lo que vale es el Fuerte de Sao Marcelo, construido al borde del mar. ¡Una maravilla! Construido enfrentando grandes dificultades, porque se encuentra que es necesario que esté allí. No es construir lo más fácil y luego recubrir de oro para engañar a los otros. Entonces sobre el pasado hay que cultivar la conciencia y una visión crítica. 

IM: ¿Cómo es la relación de las instituciones culturales con la ciudad? 

PMR: Aquí se dice que nunca debimos tener una ciudad universitaria. La universidad ya estaba en la ciudad: las facultades de medicina, de derecho, de arquitectura, la escuela politécnica. La ciudad universitaria sacó a los estudiantes de la vida pública. Un gran error. Los estudiantes se alienaron, perdieron contacto con la realidad, no tienen participación en la vida activa de la ciudad, se infantilizaron. Antes salían a la calle para protestar. Si un intendente hacía un viaducto mal hecho los estudiantes del Politécnico estaban allí presentes. Si la facultad de medicina está en el centro, es mucho más probable que los estudiantes se pongan en contacto con los niños que viven en la calle. 
Y mientras tanto la llamaron ciudad, aun cuando no lo es. ¡Un acto fallido! Es una visión totalmente colonialista. Para engañar. Asistí a una tesis que presentaba la idea de poner nuevamente la universidad en la ciudad. Un centro de energía atómica sí tiene que estar afuera de la ciudad. 
Cuando hacía el servicio militar estuve en la caballería. Se ponía adentro del box un corderito para que el caballo no lo lastimara y quedara domesticado. No se deben sacar las escuelas del centro. En la ciudad violenta, los niños son los corderitos. Los niños tienen que andar en metro. Para que comiencen la vida pública aprendiendo. Esa es la más virtuosa lección de las escuelas. Estar allí de modo público. 
No es que la ciudad sea un desastre. Es que es producida desastrosamente. Cuando se abandona el área central se dejan redes de cloacas, telefonía., todo lo que ya estaba allí. Y después llaman a los arquitectos para revitalizar... 

IM: y se pierden los lugares de intercambio que propone el espacio público... 

PMR: Caminamos por la calle para exhibirnos en el buen sentido de la palabra, saludarnos, ir a beber juntos, ir a charlar: intelectuales, trabajadores, periodistas. Esta es la virtud de la ciudad. La gran universidad es la ciudad. El gran centro cultural es la ciudad. No se puede revitalizar un edificio abandonado haciendo un centro cultural. ¿Qué es un centro cultural? Hay que tener objetividad: podemos hacer la sede del cuerpo del baile de la ciudad, la sede de la sinfónica de la ciudad pero no un centro cultural. Es hacer de la cultura un panegírico que la burguesía va a usar para hacer manualidades. No hay que hacer de la cultura, el otro oportuno actual opio del pueblo. La cultura es cultivada. Yo tengo la cultura que quiero tener. 

IM: ¿Usted piensa que existe una identidad latinoamericana, o somos todavía países aislados buscando separados nuestro destino? 

PMR: Eso sería un desastre. Tenemos que construir juntos. Porque el período de construir países ya pasó y los países son accidentales. No hay nada que diga que Chile tiene que estar de ese lado, Argentina del otro lado. Por lo tanto tenemos responsabilidad por los territorios en los que habitamos. Tenemos que hacer proyectos conjuntos. ¿No encuentras que conectar el Pacífico con el Atlántico es fundamental para nosotros? Particularmente para Brasil que tiene costa que se enfrenta a Africa y toda la riqueza del mundo está en Asia. No se puede hacer sin asociarse. Hay que atravesar muchas veces el continente como se atraviesan los Alpes en Europa. 
Existe un proyecto muy interesante: abrir un canal que conecte la cuenca Tocantins-Araguaya que es amazónica con la cuenca Paraná-Uruguay que desemboca en el Plata, estableciendo una segunda verdadera costa interior de navegación fluvial de América Latina. Y además crear conexiones ferroviarias entre los puertos del Atlántico y el Pacífico. Esto va a sugerir la construcción de nuevas ciudades como centros de articulación con estos sistemas de transporte. Construir nuevas ciudades es la esperanza de salir de la estructura de las grandes y pocas ciudades que concentran la energía de la producción como São Paulo, Buenos Aires y que se han tornado absurdamente populosas con más de 10, 20 millones de habitantes. Es mejor muchas ciudades de 3 millones de habitantes o de 1 millón de habitantes. Y se van aprovechando los recursos: navegación, puertos, tendidos ferroviarios para hacer que prosperen esas ciudades. Y después universidades, centros de excelencia médica... 
América Latina es un espacio privilegiado. Tenemos que unirnos evidentemente. Somos un pueblo solo. Hecho de una mezcla. Tenemos que ser lo que queremos ser. Nosotros somos americanos. En tanto chilenos, brasileros, argentinos, uruguayos... La geografía no tiene nada que ver con las jurisdicciones. 







lunes, 22 de octubre de 2012

Vivir con el camino del sol - la experiencia del paralelaraje Un Studio

Vivir con el camino del sol - la experiencia del paralelaraje
agradecemos el material enviado por UnStudio
UNStudio ha completado recientemente Haus am Weinberg, situado en las afueras de Stuttgart, ofrece unas vistas pastorales de las terrazas escalonadas de un viñedo antiguo con vistas a la ladera de un lado y paisaje urbano por el otro.

Aunque estructuralmente la Haus am Weinberg y su jardín paisajista reflejan los estratos y gradaciones del paisaje del viñedo cercano, la verdadera experiencia de la casa se ​​encuentra en el interior.

Ben van Berkel: "El Haus am Weinberg adopta un efecto espacial stereovisual, actuando casi como un instrumento óptico, por lo que no es una visión de paralaje, sino que crea una experiencia de paralaje. Momentos de la paridad con el paisaje circundante desde el interior de la casa forman una experiencia de conexión constante y el conocimiento de su contexto inmediato. "

La circulación interna, la organización de las vistas y la distribución de programas de la casa son determinados por un solo gesto, "el giro". En la Haus am Weinberg  el toque, el elemento central soporta la escalera principal ya que guía y organiza los flujos principales a través de la casa.

La dirección de cada curva está determinada por un conjunto de movimientos diagonales. Mientras que el programa de distribución sigue la trayectoria del sol, cada evolución en el giro lleva a los momentos en que las vistas al exterior se convierten en una experiencia integral del interior.




La construcción de la estructura de soporte de carga de hormigón se reduce a un mínimo. Techo y las losas se apoyan en cuatro elementos solamente: hueco del ascensor, dos pilares y una columna interior. A través de los tramos en voladizo de gran tamaño, se crea un espacio que permite a todos los rincones de la casa ser vidriados y sin columnas.

Un estudio de doble altura, en la esquina acristalada - que alberga el comedor - se abre a amplias vistas hacia el noroeste y los marcos del cerro y la viña  que forma el telón de fondo de la casa. Por medio de paneles deslizantes, este rincón de la casa se ​​puede abrir completamente para difuminar aún más las fronteras entre el interior y el exterior.

Las vistas desde la sala de estar se extienden a través de una esquina totalmente acristalada ofreciendo vistas abiertas hacia los parques cercanos al Sur-Oeste. Otros puntos de vista de la torcedura se encuentran en el segundo nivel, donde se encuentra el dormitorio principal y áreas comunes.

Ben van Berkel dice : "La organización de la villa y la disposición de los flujos de movimiento y puntos de vista han sido diseñados para imitar los estratos del paisaje que lo rodea - y de los niveles superiores, del paisaje urbano circundante - y así crear una experiencia casi virtual del paisaje y las vistas desde el interior de la villa. "

El interior de la Haus am Weinberg está organizado en espacios de diferentes atmósferas y cualidades espaciales, con las cuatro esquinas acristaladas y abiertas que permiten la luz del día para penetrar profundamente en la casa. La materialización del interior de la casa acentúa aún más la atmósfera general de la luz por medio de suelos de roble natural, piedra natural y paredes blancas de estuco de arcilla salpicadas de pequeños fragmentos de piedra reflectante. 

En cambio, en el centro de esta estructura ligera y fluida es una habitación más oscura de usos múltiples, dedicado a la música, la convivencia masculino, y la caza. En esta sala los techos y las paredes se han diseñado especialmente  paneles de madera oscura acústicos que se transforman articuladas en el techo en un patrón lineal a medida que descienden las murallas y llegan a los suelos de madera oscura.


El volumen y la línea del techo de la Haus am Weinberg reaccionar y responder directamente al paisaje pendiente del lugar, donde las escalas y las inclinaciones de las pendientes que la escultura se refleja el ajuste de viñedo en el aspecto volumétrico de la casa. El diseño de la jardinería jardín se extiende a la organización de la casa, con el jardín que forma una continuación de las diagonales de la planta y en cada división de la creación de zonas diferentes para la función y la siembra.
Cliente: No revelado
Ubicación: Stuttgart, Alemania
superficie del edificio neto: 618m ²
volumen del edificio: 2839m ³
Obras: 1280m ²
Programa: Casa Unifamiliar
Estado: Finalizado
Fotos: Iwan Baan
Créditos
UNStudio: Ben van Berkel, Caroline Bos, Astrid Piber con René Wysk, Kirsten Hollmann Schröter y Markhoff Cynthia, Bergmann cristiana, Schellhoff Jan, Pastor Iris, Cañizares Rodrigo, Gnodde Albert, Beatriz Zorzo Talavera, Barath Shany, Esteve Umbert Morits y Hannes Pfau
Asesores:
Gestión de la Construcción: G+ O Architekten GmbH, Leinfelden-Echterdingen
ingeniero estructural: Bollinger und Grohmann GmbH, Frankfurt
ingeniero estructural en el sitio: Kraft Baustatik, Biesigheim
MEP: eléctrico: Aktive socio Michael Blickle, Stuttgart
calefacción / fontanería: Bauer GmbH y Ihle , Esslingen
ventilación: Plangruppe Emhardt, Möglingen
Paisaje: Atelier Dreiseitl GmbH, Überlingen
Iluminación asesor: ag Licht GbR, Bonn
Fotos: Iwan Baan, Christian Richters

Asientos Stones Ben van Berkel / UNStudio asientos será presentado por Walter Knoll en Orgatec 2012


Asientos Stones Ben van Berkel / UNStudio asientos será presentado por Walter Knoll en Orgatec 2012
Orgatec, Colonia, 23 al 27 10 - Hall 10.2, Stand L10-20/K11-21
Ben van Berkel estará presente en el stand de Walter Knoll 14:00-15:00 el martes 23 de octubre.

Asientos Stones

Inspirado por la suavidad rítmica de las formaciones geológicas, los  asientos  Stones escultóricos muestran una toma de conciencia del espacio lúdico y versatilidad, presentando múltiples posibilidades de colocación, el color, la textura, la disposición y la comunicación.







Asientos Stones 

Asientos Stones fueron diseñados como objetos individuales que se pueden usar como elementos autónomos  sin embargo también pueden colocarse lado a lado como una familia de formas en una variedad de configuraciones. Las formas y los bordes de los elementos de asiento facilitan un alto rango de posibilidades de agrupación, para situaciones de privacidad o para invitar a la comunicación.






Los asientos Stones 
Los asientos Stones  son igualmente versátil cuando se trata de uso polivalente, que ofrece una diversidad de opciones para la colocación, desde oficinas, salas de espera, vestíbulos y espacios de reunión para su uso en el hogar. En todas las situaciones de la configuración de los elementos del asiento puede adaptarse al montaje de espacios individuales y la deseada 'conectividad' de los usuarios.







Inspirado por los tejidos naturales brillantes y variados producidos por los incas de América Latina, piedras de asientos se puede tapizar en una amplia variedad de telas y colores. Además, los tipos de telas y colores se pueden mezclar, crear presentaciones y texturas diferentes en cada elemento, o en una agrupación de asientos individuales. Los tejidos de los asientos Stones por lo tanto, puede hacer referencia a una simple piedra, individual, o bien puede parecerse a una formación mixta de minerales de colores vivos.




Museo de Diseño y Swarovski habla sobre la Exposicion Crystal





19 de octubre 2012
Museo de Diseño  y Swarovski habla sobre la Exposicion Crystal 
Lunes 05 de noviembre, 7:30 PM
£ 15, £ 7,50 MIEMBROS
Durante generaciones, la tradición de diseño de la puesta en marcha ha sido una conducción
obligar a la excelencia creativa, la innovación técnica y la realización de fines no comerciales
Ideas LED. Ya se trate de una corte medieval, el Renacimiento italiano familiar o de negocios, contemporáneo, las motivaciones detrás de la patrón / artesano relación son a veces constante, sino que también se ve influida por las condiciones culturales de su tiempo. ¿Qué preguntas se deben hacer para analizar y comprender el impacto y el propósito de la puesta en servicio hoy en día? Diseño Museo Deyan Sudjic director pedirá a Nadja Swarovski y tres
de los diseñadores que aparecen en: Digital Crystal Swarovski sobre su experiencia y comprensión de esta exposición de obras de encargo.
Ponentes confirmados se encuentran: Nadja Swarovski, Suzanne Trocmé, Maarten Baas, Paul Cocksedge y Helstrom Hilda.



Swarovski es uno de los principales partidarios de la nueva Diseño Museo , Debido para abrir en 2015. La donación se creará un centro de aprendizaje de clase mundial para diseño, lo que permite al museo a ampliar y enriquecer su oferta de aprendizajetres veces a través de un programa de educación inspirador diseño dirigido a las escuelas, colegios y universidades, las familias, los jóvenes, los adultos y diseñadores profesionales.

Sobre el Diseño del Museo

Fundada en 1989, la Diseño Museo Actualmente se encuentra en Shad Thames, Sur East London . Su trabajo abarca todos los elementos de diseño, incluyendo diseño de productos, la arquitectura, el diseño gráfico y la moda, con el objetivo de que todo el mundo va a entender el valor del diseño. La Diseño Museo planes de trasladarse desde su lugar actual en el antiguo edificio de la Commonwealth Institute en Kensington, West London . La fecha de apertura prevista es 2015. Líder diseñador John Pawson convertirá el interior de la Comunidad Instituto edificio para crear un nuevo hogar para la Diseño Museo , Dándole tres veces más espacio en la que para mostrar una gama más amplia de exposiciones, exhibirá su colección de clase mundial y ampliar su programa de aprendizaje.

Acerca de Swarovski:

La historia Swarovski comenzó en 1895 cuando Daniel Swarovski inventó una Máquina para el corte y pulido de cristal. Esta máquina no sólo revolucionó la fabricación de joyas, se ha inspirado en el mundo del arte, diseño, la moda y el cine desde hace más de cien años. Hoy Swarovski es el principal productor mundial de cristal tallado y piedras preciosas y opera cerca de 2.000 puntos de venta en más de 120 países. La empresa cuenta con una rica historia de trabajo con diseñadores de renombre internacional como Coco Chanel, Yves Saint Laurent y Christian Dior. Swarovski se ha basado en este patrimonio mediante la aplicación de una serie de iniciativas de diseño visionario que han transformado la imagen de la empresa, convirtiéndose en un cristal tan deseado componente en las industrias creativas. Swarovski se compromete a apoyar y la celebración de diseño y las artes mediante la colaboración con ambos establecidos y los diseñadores emergentes - como Karl Lagerfeld, Christian Lacroix, Shaun Inclínate, Tom Dixon, John Pawson, Zaha Hadid, Mary Katrantzou, Marios Schwab, Erdem y Deacon Giles - desafiándolos a empujar el límites de utilización de cristal a través de la moda, joyería, teatro y cine, el arte, arquitectura y diseño. www.brand.swarovski.com

Centro de Cultura Contemporánea Garage presentará una nueva exposición titulada Estructuras temporales en Gorky Park: Desde Melnikov para la Prohibición

Centro de Cultura Contemporánea Garage presentará una nueva exposición titulada Estructuras temporales en Gorky Park: Desde Melnikov para la Prohibición 
del 20 octubre-9 diciembre 2012 en un pabellón de nueva creación temporal de Gorki de Moscú Park, diseñado por el arquitecto japonés Shigeru Ban. 

Mostrando raro archivos dibujos-muchos de los cuales nunca se han visto antes - la exposición se iniciará mediante la revelación de la historia profunda de las estructuras creadas en el parque desde que el sitio fue desarrollado por primera vez en 1923, antes de pasar a través de la vanguardia rusa período para terminar con algunos de los diseños más interesantes realizadas contemporáneos creados por arquitectos rusos hoy. 

Por su naturaleza, las estructuras temporales erigidas para un evento o suceso que siempre alentó la experimentación indulgente, ya veces esto se ha traducido en innovador diseño progresivo. Esta exposición reconoce este tipo de experimentación y las posiciones del pabellón o de la estructura temporal como una tipología arquitectónica que oscila entre el objeto artístico y el prototipo arquitectónico. En Rusia, estas estructuras o pabellones - a menudo construidos con materiales insustanciales - arquitectos soviéticos permitieron la capacidad de expresar las aspiraciones de la revolución. Con frecuencia se convirtieron en vehículos para las nuevas ideas arquitectónicas y político, y fueron muy influyentes en la historia de la arquitectura rusa. 

Esta exposición revela la rica historia de realizadas y no realizadas estructuras temporales dentro de Gorki de Moscú Park y muestra importantes avances estilísticos en la arquitectura rusa. Estructuras temporales también revela la evolución de una forma única de Rusia "identidad" dentro de la arquitectura y el contexto internacional, que se ha desarrollado desde el 1920 y continúa hasta hoy. 

A fin de reflejar las etapas importantes de la historia del parque y el desarrollo de las estructuras temporales diferentes, la exposición será presentada dentro de un marco cronológico. Los visitantes podrán obtener una comprensión de las ideas pioneras que estaban siendo explorados a través de estructuras que fueron erigidas en el parque: 

1. A comienzos soviético de 1922 
2. All-Russian Exhibition agrícola y artesanal, 1923 
3. Desarrollo después de 1923 
4. Apertura del parque de 1928 
5. 1934 - 1940 
6. Desarrollo después de 1943 
7. Contemporáneo estructuras temporales rusos 



La exposición incluye elementos multimedia e interactivos, junto con imágenes de video de archivo original. 

La exposición incluye el trabajo de los arquitectos, como Konstantin Melnikov, Zholtovsky Ivan, Shchusev Alexey, Oltarzhevsky Vyacheslav, Alexander Vlasov, Fyodor Osipovich Schechtel, Vladimir Schuko, Golosof Panteleimon, Golosof Ilya y Ginzburg Moisei. También están representados serán los artistas y escultores que han participado en la decoración de las estructuras temporales, incluyendo Aleksandra Ekster, Kuprin Alexander, Kuzma Petrov-Vodkin, Lentulov Aristarkh, Nivinsky Ignaty, Konenkov Sergei, Ivan y Shadr Mukhina Vera. 

Garaje pabellón en Gorky Park 

Continuando con una tradición histórica de la arquitectura temporal en Gorky Park, Garage ha construido un pabellón temporal diseñado por el prestigioso arquitecto japonés Shigeru Ban. La estructura, situada cerca de Pionersky estanque del parque, utiliza tubos de producción local de papel para crear una pared ovalada que ser de 7,5 metros de altura. La superficie total del pabellón de 2.400 metros cuadrados y contará con un espacio de 800 metros cuadrados de exposición rectangular, una librería y una cafetería, todo dentro de un óvalo exterior construido con tubos de cartón. El pabellón albergará exposiciones y actividades educativas hasta finales de 2013, después de lo cual se destinará a los proyectos experimentales. 


Garaje Centro de Cultura Contemporánea 

Inaugurado en 2008, el Centro de Cultura Contemporánea Garage es un importante proyecto sin fines de lucro internacional con sede en Moscú, dedicada a la exploración y desarrollo de la cultura contemporánea como una plataforma para nuevas ideas. Garaje trae importantes del arte moderno y contemporáneo internacional y la cultura a Moscú, para elevar el perfil de la cultura contemporánea rusa y fomentar una nueva generación de artistas rusos. Estos objetivos se exploran a través de una serie de exposiciones que van desde grandes encuestas de importantes colecciones a un solo artista retrospectivas y exposiciones colectivas. Garage también recibe un fuerte programa de eventos especiales, que incluyen charlas, proyecciones de películas, talleres, espectáculos y actividades creativas para niños y jóvenes. Además, hay un programa de publicación que se está desarrollando. 

Garaje trasladado recientemente desde el garaje de autobuses Bakhmetevsky a un nuevo sitio en Gorky Park, Moscú, que actualmente está siendo desarrollado por OMA Rem Koolhaas, que se inauguró en 2013. Mientras tanto, la primera fase de su programa en el parque pondrá en marcha en octubre de 2012 en un pabellón temporal diseñado por el arquitecto japonés Shigeru Ban. La estructura de producción local utiliza tubos de papel para crear una pared ovalada que ser de 7,5 metros de altura. La superficie total del pabellón de 2.400 metros cuadrados sobre la base de un rectángulo dentro de un óvalo. El pabellón albergará exposiciones y actividades educativas hasta finales de 2013, después de lo cual se dedicará a proyectos experimentales.

A más largo plazo, Garaje planea desarrollar un pabellón de 8.500 metros cuadrados en el parque hexagonal. Esta estructura histórica década de 1920, que consta de seis secciones construidas alrededor de un patio central, fue construido para albergar el primer All-Russian Exhibition agrícola y artesanal, pero más tarde se convirtió en un espacio de exposición antes de la guerra para los artistas soviéticos. El desarrollo se convertirá en uno de los más importantes sin fines de lucro un sitio de arte contemporáneo en Moscú, con instalaciones internacionales estándar galería y áreas dedicadas a la enseñanza y el aprendizaje. 

Garage es un proyecto de la Fundación IRIS, fundada por Dasha Zhukova. 




La Fundación IRIS 

La Fundación IRIS fue fundada en 2008 por Dasha Zhukova. Es una organización sin fines de lucro dedicada a promover la comprensión y el desarrollo de la cultura contemporánea. La Fundación IRIS apoya todas las actividades del Centro de Cultura Contemporánea Garage en Rusia e internacionalmente.

Imágenes exteriores e interiores de exposición: 

Garaje Centro de Cultura Contemporánea 
Estructuras temporales en Gorky Park: Desde Melnikov para la Prohibición de 
19 de octubre 2012 
Foto: Nikolai Zherkov 
(Copyright) Garaje Centro de Cultura Contemporánea 

Theatre at Nathan Phillips Square / Perkins+Will (en construcción)



Theatre at Nathan Phillips Square / Perkins+Will (en construcción)










Arquitectos: Perkins + Will
Ubicación: Toronto , ON, Canada
Area del proyecto: 910,0 m²
Fotografías: Steven Evans
   
En 2007, un consorcio Toronto diseño basado en compuestos de  , Arquitecto Plant, HOERR Arquitectos Paisajistas Schaudt y Adrian Proyectos Urbanos Blackwell ganó un concurso internacional de diseño para la revitalización de Nathan Phillips Square - el espacio público más importante de la ciudad de Toronto y la "puerta de entrada" al Ayuntamiento icónico diseñado por el arquitecto Finish Revell Vijlio en 1961.
© Steven Evans











El concurso de diseño ganador titulado Agora Theatre, celebra el teatro de la vida urbana y trae una superposición rigurosa de la sostenibilidad para la  plaza pública de 44515m2.
Estrategias clave incluyen la apertura del centro de la plaza para crear un espacio de potencial infinito, la intensificación de la biomasa en la plaza a través de la creación de un nuevo bosque urbano y la dinamización del perímetro de la plaza a través de la creación de una condición de borde programado todavía porosa.
© Steven Evans











Uno de los elementos arquitectónicos más significativos en la plaza, ahora en las últimas etapas de la construcción es la estructura nueva etapa permanente, el diseño de detalle de lo que ha sido dirigido por la oficina de Toronto de Perkins + Will. La intención del diseño de la estructura del escenario es múltiple. A nivel programático básico, la etapa reemplazar generaciones de estructuras ad hoc temporales de rendimiento que abarrotan la plaza una vez al año durante los meses cálidos. La nueva etapa proporcionará un espacio de actuación cubiertos con una rejilla encima de la cabeza para el aparejo de iluminación y escenario, de nuevo espacio escénico y un complemento completo de los espacios de apoyo, incluidos vestuarios, una sala verde y el soporte AV debajo del escenario. La nueva etapa también funcionará como una extensión del espacio público de la plaza. La base del teatro está diseñado como un conjunto de amplios escaleras públicas y las plataformas que se conectan a la estructura existente pasarela elevada que enmarca la plaza. El diseño de manera efectiva anima los espacios públicos de nivel superior de la plaza y refuerza la noción de teatro urbano. Cuando no se utiliza para las producciones, el escenario estará decorado con mesas de café y sillas y proporciona una perspectiva única de espacio de reunión protegido del sol y la lluvia extrema por el techo acristalado del teatro .
Sección 01









En su conjunto, el plan maestro para la revitalización trae una superposición de riqueza material y la textura del paisaje y el color que siempre han estado deseando. El idioma oficial es en general moderado y respetuoso y valiente a las torres escultóricas del Salón del Consejo. Una excepción a esta restricción, el teatro se manifiesta como una presencia audaz escultórica en el cuadrante noroeste de la plaza. La unión de los elementos originales del diseño del arco ceremonial de la rampa  hacia el este y los tres arcos de hormigón fuente al sur, el nuevo Teatro actúa como un elemento definitorio en la plaza, enmarcando la vista hacia las Torres City Hall y la Sala del Consejo. El diseño del teatro logra sus agendas programáticas complejas y urbanísticas dentro de un lenguaje muy simplificado y abstracta geométria. Numerosas repeticiones y mejoras tanto de la estructura y componentes de cine en apoyo a conducir a una expresión destilada que resuena en el modernismo de los 50 Revell  aunque se lee claramente  como una inserción contemporánea.
© Perkins + Will















Dos delgados marcos de columnas en forma de V de acero de los extremos norte y sur de la etapa, emergiendo de la piedra monolítica y base de concreto y la conexión al más alto nivel con dos cajones inclinados se extiende a través de los bordes oriental y occidental. La lectura dominante es una cinta continua de acero blanco que se pliega y trozas para definir el espacio de rendimiento. La inspiración para las columnas de V fue equilibrar tomados de una serie de puntales diagonales de hormigón que soportan la cúpula del Camara del Consejo de Revell. La superestructura, pintada de blanco, apoya un marco de luz el espacio tubular con una cubierta de vidrio fritado arriba. Dentro de la estructura espacial son numerosos "puntos fuertes" que crean una armadura muy flexible para todos los aspectos de la puesta en escena teatral. Una serie de tiempo retráctil y cortinas de negro de salida son discretamente alojado dentro de la estructura espacial y se puede bajar en el borde de la estructura del techo para crear un entorno teatral controlada o en relieve cuando la etapa no está en uso. Tanto las estaciones y los días, la etapa rápidamente se puede convertir de un espacio de actuación secundaria cumplido diversa de la Ciudad de los eventos culturales a un espacio público que apoya el teatro de la vida urbana. El escenario permanente está programado para abrir en eventos durante la temporada de fiestas de 2012/13.
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