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viernes, 28 de noviembre de 2014

entrevista con liz Diller de DS + R

                          
   






entrevista con liz Diller de DS + R
publicado en Design Boom

Diller Scofidio + Renfro ha desarrollado un cuerpo de trabajo centrado en la activación de los potenciales espaciales y experienciales de edificios, ciudades y entornos. el estudio combina la arquitectura, las artes visuales y las artes escénicas, mientras que sus proyectos notablemente buscan nuevas formas de tecnología para nuevos modos de usuarios que participan. mientras que la oficina tiene una larga historia de trabajo previsto y se dio cuenta, su ritmo se ha acelerado en un período de intensa producción. después de la respuesta excepcional generada por el highline desde su apertura, la práctica se ha movido en la construcción de proyectos como el amplio museo en Los Ángeles, centro médico columbia universidad en Nueva York, y el museo de sonido e imagen en Río de Janeiro, mientras que muchos otros están en movimiento para el futuro.

designboom asistido recientemente a una presentación hecha por el fundador y principal liz Diller en Milán, y desde entonces ha buscado ideas de ella en el trabajo actual de la oficina, así como sus objetivos fundacionales. sigue leyendo para escuchar lo que tiene que decir.



el "blur", realizada para la exposición suizo 2002, existió como una masa de niebla creada por pulverizada niebla 
foto © latido widmer

designboom: ¿cómo el estudio, entre tú y ricardo, comenzó? cuáles eran sus intenciones básicas y fascinaciones?
liz Diller: a pesar de que me gradué de la Cooper Union con una licenciatura en arquitectura, yo no tenía la intención de ser un arquitecto. en ese momento, había muy pocos encargos arquitectónicos debido a la recesión. que no queríamos dar vuelta a la arquitectura de papel como muchos de nuestros compañeros. estábamos ansiosos de aplicar nuestra investigación, para interrumpir, y encontrar nuevos problemas de trabajo en el espacio.
nuestro trabajo inicial fue efímera. había muchas instalaciones guerrilleros a sitios robadas o prestadas. que no teníamos clientes o financiación, así que estábamos en la tarjeta de crédito de la deuda de arte durante muchos años, pero poco a poco comenzamos a obtener el reconocimiento. 
actuamos como independientes, mirarnos a nosotros mismos ni como arquitectos ni los artistas. que no nos importaba lo que la disciplina que nos pertenecía y que no tienen una trayectoria específica en mente. no teníamos el deseo de establecer un estudio de arquitectura o una base de clientes. si se trataba de materiales físicos, video, la performance o la impresión, cada proyecto tiene una lógica específica y medio apropiado. se trataba de encontrar el medio adecuado para desafiar las convenciones heredadas.



el "instituto de arte contemporáneo", terminado en 2006, se encuentra a lo largo del frente del puerto de boston
foto © Iwan Baan


DB: ¿cómo esos valores han cambiado con los años?
LD: Yo no creo que sea una cuestión de valores de cambio. a medida que creció y evolucionamos, nos dimos cuenta de que la arquitectura era algo que queríamos seguir. esta transición en la arquitectura nunca fue a costa de nuestro otro trabajo. los primeros años me dieron la oportunidad de adoptar una postura crítica y desafiar lo que la arquitectura es y cómo se puede interactuar con otras disciplinas culturales. Yo no podría haber comenzado la construcción de edificios de inmediato.
así, creo que un cambio identificable no está en nuestros valores, pero en el medio y la escala de nuestro trabajo.hemos seguido para explorar las mismas trayectorias de investigación: tecnología inteligente y mudo, con la mediación frente a experiencias auténticas, la cultura de la visión y la visualidad. la diferencia ahora es que el trabajo es a menudo en una escala más grande. todavía está llevando a cabo la actuación, exposiciones, instalaciones y arte público. la diferencia es que ahora estamos en condiciones de llevar a cabo proyectos en diferentes escalas, diferentes grados de permanencia y complejidad.



el 'pabellón hypar' eleva un paisaje público hierba encima de un restaurante en el Lincoln Center de Nueva York
foto © Iwan Baan
ver característica de designboom en el 'pabellón hypar' aquí

DB: ¿de qué manera tiene carácter interdisciplinario de su estudio de fortalecer su capacidad para dar forma o soporte, experiencias?
LD: bueno, creo que casi todo es "interdisciplinario", incluso la arquitectura. en nuestro trabajo, siempre estamos tratando de combinar varias disciplinas y siempre estamos pensando críticamente sobre la búsqueda de las herramientas y procesos adecuados. 
por ejemplo, cuando estábamos trabajando en el para-lugar de la instalación para el MoMA en 1989, tuvimos que pensar a través de la lente de un arquitecto en el museo, trabajando dentro durrell piedra, Philip Johnson y el espacio Pelli cesar. nuestro pensamiento tenía que trascender colgar dibujos en la pared. a pesar de que estábamos trabajando en multimedia, la instalación se ha desarrollado y tipo de enmarcado a través de una lente de arquitectura también.




la instalación 1989 'para-sitio "en el MoMA ofrece vistas-streaming de sitios remotos en el museo
foto cortesía de DS + R

DB: ¿podría describir por ejemplo cómo sus proyectos tratan de romper las barreras institucionales, y ofrecer una relación abierta al público?
LD: siempre es difícil hacer la transición entre el espacio público de una ciudad y el espacio privado de un edificio.siempre estamos buscando a derribar los muros institucionales, para disolver la "condición de alta cultura baja cultura. '
en el diseño de los museos, creemos que el arquitecto y el museo comparten la misma responsabilidad: educar e involucrar al público. guiado por esta creencia, que tuvo como objetivo integrar el ICA con su entorno cívicos.ampliamos material del HarborWalk de de boston en el edificio; se pliega para convertirse en un anfiteatro público, y continúa en el interior como el suelo y el techo del teatro semi-público.
del mismo modo, el nuevo diseño para el centro de lincoln tenía sus raíces en lo que la producción cultural del centro de Lincoln en el espacio público al tiempo que invita a la ciudad en lo que antes era introvertido espacios. queríamos que el espacio público y privado a mezclarse. el objetivo era conectar Lincoln Center con su barrio, dándole una presencia más notable en la calle.
para sala Alice Tully, reaccionamos a cómo cortar el diseño original era de la ciudad. así, revestimos en vidrio y poner su interior en exhibición. el uso de vidrio de nueva creación a lo largo de la calle y en Broadway, el diseño invita a los peatones en estar y cafés pública del vestíbulo. colocamos una tribuna información exterior que muestra noticias en monitores de video sobre eventos Lincoln Center y ofrece un espacio para los peatones para observar eventos privados en el segundo piso.



la tercera y última sección del highline abrió el acceso del público en el otoño de 2014
foto © Iwan Baan

DB: el highline muy aparentemente ha experimentado mucho éxito, y produjo un gran debate no sólo entre la disciplina, sino también expectación entre el público en general. ¿cómo usted y su oficina sientes acerca de los diversos aspectos de la 'efecto highline', en lo que respecta a su popularidad en general, la presencia de la cultura pop, las propuestas de las variaciones en otras ciudades, etc.?
LD: Me siento bien, pero también me siento una sensación de ambivalencia. hemos sido capaces de transformar algo que iba a ser demolido en algo que muchas personas aprecian. y, sí, ha tenido un efecto catalizador en la movilización de otros gobiernos a invertir en proyectos similares de regeneración urbana. ha habido muchas otras propuestas de variaciones y creo que lo que es emocionante y ha capturado la imaginación de la gente es la idea de reinventar o reutilización de la infraestructura existente.
sí, los críticos están señalando su popularidad ahora, pero realmente no hay nada que se pueda hacer. si es popular, que así sea. en todo caso, su popularidad es un testimonio de que llegar a una audiencia tan amplia.
DB: Usted mencionó en su conferencia en MiARCH en milan que el Highline tiene el potencial de convertirse en una víctima de su propio éxito. ¿de qué manera puede el elemento urbano postindustrial querido ir mal?
LD: no se trata del elemento urbano postindustrial ir "malo". lo que está sucediendo es una especie de paradoja. hay un crecimiento urbano que está pasando con los más nuevos edificios, las rentas más altas, etc. y, estoy inquieto por la amenaza o potencial de monoculturalismo en esta área.



foto © Iwan Baan



una vista se enmarca hacia el tráfico que pasa por debajo de
la foto © Iwan Baan
para ver más fotos, ver aquí para el artículo de designboom de cuando la segunda sección del highline abrió

DB: DS + R tiene una larga trayectoria con proyectos de instituciones culturales. como las más recientes investigaciones en esta área, de qué manera van proyecto cultureSHED ser diferente a cualquier otra institución cultural?
LD: cultureSHED se trata de plantear cómo se veía en el arte en el futuro. el diseño crea una especie de infraestructura abierta al apoyo lo que el futuro mundo del arte se lanzar en él. en muchos sentidos, este proyecto se relaciona con la pregunta sobre la formación de una relación abierta o el diálogo con el público. es una iniciativa puesta en marcha en busca de hacer un foro público para la industria creativa.



Se espera que el edificio de educación médica y de posgrado la Universidad de Columbia para abrir en 2016
Imagen cortesía de DS + R
ver cobertura de designboom de la estructura de hormigón rematado fuera aquí

DB: en lo que respecta a Moscú de 'Zaryadye parque', ¿cómo ha de responder a las condiciones sociales y políticas de rusia sido diferentes a los de los EE.UU.?
LD: tuvimos reservas iniciales sobre zaryadyde parque, que se encuentra justo en frente del Kremlin y la Plaza Roja de Moscú. Creo que es importante reconocer que hay una delgada línea entre la celebración de la historia de este lugar y celebrar autoridad.
respondimos a esta complejidad mediante el diseño del parque como sin caminos, lo que permite al público a vagar libremente - un marcado contraste con la historia política y social de la plaza roja. además del paisaje moscovita natural, incorporamos elementos de sitios históricos cada vez que les da la oportunidad. el esquema utiliza la base de la torre stalin sin terminar y el Rossiya Hotel demolido, así como un número de sitios arqueológicos desenterrados.
véase el artículo de designboom en el diseño para Zaryadye parque aquí .



la construcción de la "amplia" está a punto de concluir en el centro de los angeles
foto de construcción mate
véase el artículo inicial de designboom de diseño del museo aquí




una imagen de la galería de nivel superior a partir del verano 2014
foto de riley nathaniel

DB: Personalmente, ¿qué estás actualmente fascinado por fuera de la profesión, y cómo influye en su trabajo?
LD: desde la universidad, yo siempre he estado fascinado por el cine y tomé cursos en Cooper Union antes de pasar a la arquitectura. Creo que es un interesante momento de pensar en nuevas formas de contar historias sobre nuevos públicos.
DB: ¿Qué consejo le daría a los estudiantes y jóvenes diseñadores?
LD: así, para mí la educación es de empujar a la gente a analizar, examinar, y romper las reglas. Creo que la cosa más importante que puedo enseñar a mis estudiantes o jóvenes en el campo es continuar investigando. arquitectura siempre está evolucionando, no es canónica.



el "museo del sonido y de la imagen" en Río de Janeiro se encuentra en construcción
la imagen cortesía de DS + R




fachada engrosada del edificio sirve como una continuación del paseo público a lo largo de la playa de Copacabana
imagen cortesía de DS + R